Mostrando postagens com marcador Artigos. Mostrar todas as postagens
Mostrando postagens com marcador Artigos. Mostrar todas as postagens

segunda-feira, 22 de novembro de 2021

Magnum: Fotografando Picasso

novembro 22, 2021 | por Resumo Fotográfico

Em artigo para a agência, a jornalista Charlotte Jansen reflete sobre como a câmera funcionou para servir aos mitos do artista


Picasso em seu estúdio na Rue des Grands-Augustins, Paris, 1948 | Herbert List / Magnum Photos

Na época de sua morte na França em 1973, o lugar de Pablo Picasso na história estava cimentado, mas sua jornada para se tornar o artista mais famoso do século 20 não foi apenas alcançada com suas pinturas - como o “artista mais fotografado da história”, o 'mito de Picasso' foi criado com a câmera, capturando a imaginação contemporânea e ainda é fascinante hoje.

“A fotografia também foi uma forma de ele documentar suas obras de arte, de experimentar novas ideias” - Charlotte Jansen

Embora menos explorado do que suas outras obras, Picasso estava tão interessado em ficar atrás das lentes quanto na frente delas - como seu amigo e biógrafo, John Richardson, revelou em “Picasso and the Camera”, o artista possuía muitas câmeras, "principalmente Leicas", e os usou extensivamente em sua própria prática. À medida que as câmeras se tornavam menores, mais portáteis e acessíveis, Picasso começou a introduzi-los em sua prática de ateliê: ele usava a fotografia como referência para pinturas e esculturas, fotografando coisas que o inspiravam dentro e fora do estúdio, de amantes a paisagens. A fotografia também foi uma forma de ele documentar suas obras, de experimentar novas ideias. Richardson também destacou a importância das fotografias como fonte da escultura de Picasso, como um livro sobre esculturas gregas antigas publicado por Christian Zervos.


Picasso em seu estúdio na Rue des Grands-Augustins, Paris, 1944 | Robert Capa / Magnum Photos

Em meados do século XX, quando a fotografia se tornou um meio de comunicação de massa, Picasso rapidamente aproveitou o poder de uma imagem. Após a Segunda Guerra Mundial, conforme o fotojornalismo se tornou mais sofisticado na narração de histórias e começou a permear a vida pessoal e privada, Picasso fez amizade com fotógrafos que costumavam tirar seu retrato: entre eles Brassai, Man Ray, Cecil Beaton e o cofundador da Magnum, Robert Capa. Eles ajudaram a disseminar imagens de um contador de histórias viril, de sangue vermelho, fumante de charuto e dândi, rudemente bonito, que se casou duas vezes, teve quatro filhos com três mulheres e teve incontáveis amantes atraentes - tudo parte da narrativa que levaria Picasso à prosperidade.


Picasso em seu apartamento na Rue des Grands-Augustins, Paris, 1944 | Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos

Fotos do estúdio de Picasso na Rue des Grands, feitas pelos fotógrafos da Magnum, Herbert List e Robert Capa, deram alguns dos primeiros vislumbres do ambiente de trabalho do artista e uma visão de sua prática na época; esculturas e montagens sugerindo como ele abordou formas de construção e narrativas em sua pintura. Mais tarde, o cofundador da Magnum Henri Cartier-Bresson capturou a casa de Picasso, um apartamento na Rue des Grands-Augustins: em uma foto particularmente íntima, tirada em 1944, Picasso está em seu quarto, cama desleixada, peito nu, mãos no cinto em um gesto que é ao mesmo tempo sedutor e vulnerável.

O papel dos fotógrafos Magnum na criação do mito de Picasso foi decisivo. Em 1937, um ano após o início da Guerra Civil Espanhola, David Seymour capturou o pintor diante de sua vasta e icônica obra “Guernica” - pintada em uma resposta rápida na Rue des Grands-Augustins, exibida apenas seis semanas após o bombardeio da vila espanhola. 

“Em meados do século XX, quando a fotografia se tornou um meio de comunicação de massa, Picasso rapidamente aproveitou o poder de uma imagem” - Charlotte Jansen


Picasso em frente a “Guernica”, 1937 | David Seymour / Magnum Photos

É “Guernica” que conecta Picasso a Robert Capa. Embora 32 anos mais jovem de Picasso, os dois tinham muito em comum: ambos eram imigrantes, ambos fugiram dos nazistas e simpatizavam politicamente com a esquerda (e eram associados a partidos comunistas) e ambos eram infatigáveis em suas formas de arte escolhidas, criando prolificamente em seus vidas - 40 anos curtos para Capa, 91 para Picasso.

De 1936 a 1939, Capa também esteve na Espanha para documentar a Guerra Civil e, como Picasso, foi a guerra que inspirou suas obras mais famosas - “The Falling Solider” (1936), a fotografia pela qual o Picture Post nomeou Capa “o maior fotógrafo de guerra do mundo”.


Pablo Picasso com seu filho Claude. Golfe-Juan, França, 1948 | Robert Capa / Magnum Photos

“Capa nos mostra Picasso não como um grande artista, mas simplesmente como um homem” - Charlotte Jansen

Durante uma missão no sul da França no verão de 1948, Capa, que conheceu a parceira de Picasso, Françoise Gilot, em Paris em 1945, passou um tempo com o casal e seus filhos na Cote D’Azur. “Capa era um amigo, então não era nada formal.” Gilot disse sobre as fotos que Capa tirou deles na época - Picasso brincando na areia da praia com seu filho, obedientemente carregando uma sombra sobre a cabeça de Gilot, um lado do artista que raramente era visto. Os ternos retratos captados de perto por Capa mostram Picasso como um pai descalço e solto, curtindo os prazeres simples da vida. Capa nos mostra Picasso não como um grande artista, mas simplesmente como um homem. Eles permanecem entre as imagens mais memoráveis ​​de Picasso e fazem parte do mito que persiste até hoje.

Se as imagens nos apresentam o 'real' Picasso, nunca saberemos, mas como o próprio Picasso disse, “todos nós sabemos que a arte não é a verdade. A arte é uma mentira que nos faz perceber a verdade, pelo menos a verdade que nos é dada a entender. ”

Pablo Picasso com Françoise Gilot e seu sobrinho Javier Vilato. Golfe-Juan, França, 1948 | Robert Capa / Magnum Photos


Fonte: Magnum Photos

segunda-feira, 20 de setembro de 2021

Magnum: Quatro décadas no Afeganistão

setembro 20, 2021 | por Resumo Fotográfico

10 fotógrafos da agência refletem sobre suas experiências retratando violência e beleza no país desde 1978


Como a sexta-feira é um dia sagrado, muitas famílias e crianças passam a tarde caminhando, empinando pipa e cavalgando na colina Tape Nadir Khan em Cabul. Afeganistão. 24 de junho de 2011. Jérôme Sessini / Magnum Photos

Refletindo sobre a angústia, turbulência e morte que precedeu o último dia do envolvimento militar dos Estados Unidos no Afeganistão, a agência Magnum Photos compilou mais de quatro décadas de cobertura de 10 fotógrafos - de 1978 até o presente.

O trabalho do coletivo constrói um mosaico de retratos do país, reunindo vistas de Raymond Depardon, Steve McCurry, Abbas, Chris Steele-Perkins, Alex Majoli, Thomas Dworzak, Jerome Sessini, Moises Saman, Larry Towell e Peter van Agtmael. Esses corpos de trabalho fornecem contexto e compreensão desde 1978 até os dias atuais, cobrindo o Afeganistão.


Raymond Depardon / Magnum Photos

1978: Raymond Depardon

A dramática luta do povo afegão foi capturada pelas lentes da Magnum, desde a documentação do cofundador George Rodger sobre o papel do país na Segunda Guerra Mundial. Desde então, os intrépidos fotógrafos de Magnum cruzaram a paisagem impressionante do país fazendo fotografias.

A derrocada final da monarquia e a liquidação brutal do governo constitucional do Afeganistão em 1978 anunciaram a chegada do comunismo de estilo soviético. Os que viviam na província de Nuristão se rebelaram imediatamente com uma jihad ou guerra santa, coberta primeiro por Raymond Depardon dentro da Magnum. Foi em 1978 que Depardon encontrou os rebeldes anti-comunistas afegãos em Peshawar, Paquistão. Os rebeldes lhe ofereceram uma visita clandestina ao acampamento no Afeganistão e forneceram um guia que falasse francês.

Seu guia?

“Ahmad Shah Massoud acompanhou-me durante toda a minha viagem ao Nuristão. Eu não sabia que ele se tornaria o comandante Massoud do Vale Panjshir ”, disse Depardon. “Foi uma viagem incrível porque ele me explicou todos os eventos que encontramos - prisioneiros, costumes locais.”


Steve McCurry / Magnum Photos

1979–2016: Steve McCurry

Para Steve McCurry, o Afeganistão suscitou memórias especiais desde sua primeira visita, há 42 anos. Ele chegou poucos meses antes da invasão soviética e refletiu sobre o que experimentou.

“Depois de trabalhar em um jornal na Filadélfia, saí para fazer trabalhos freelance para revistas na Índia em 1978. Passei um ano e meio viajando pela Índia e Nepal e fotografei para uma variedade de pequenas revistas.”

“Na primavera de 1979, quando a temperatura era superior a 40°C, viajei para as montanhas do noroeste do Paquistão para explorar a parte do subcontinente que não havia visitado antes. Enquanto estava hospedado em um pequeno hotel no vilarejo de Chitral, conheci alguns refugiados afegãos do Nuristão, que explicaram que muitos dos vilarejos em sua área foram destruídos pelo exército afegão. Eu disse a eles que era fotógrafo e eles insistiram para que eu fosse fotografar a guerra civil que estava ocorrendo. Nunca fotografei em uma área de conflito e não tinha certeza de como reagiria.”

“Depois de alguns dias, caminhei com eles pelas montanhas do Afeganistão e passei quase três semanas fotografando a vida lá. Fiquei surpreso ao ver tantas aldeias que haviam sido virtualmente destruídas sem nenhum habitante para contar a história. As estradas estavam todas bloqueadas ou sob controle do governo, então tínhamos que andar por toda parte. Conheci algumas pessoas de quem me tornei muito próximo. Também fui muito afetado pela cultura e pela beleza do país. Era um estilo de vida diferente, sem conveniências modernas, e fui atraído pela simplicidade do estilo de vida; tudo foi reduzido ao básico. Isso me trouxe de volta uma e outra vez.”

“Eu estava continuamente sob fogo enquanto documentava os lutadores mujahedeen e os riachos de pessoas fugindo de suas aldeias. O drama humano nessas áreas pode ser difícil de compreender. Acho que documentar essas situações terríveis e dar voz às pessoas que não são capazes de contar suas histórias é o que a fotografia faz de melhor. Embora muitas vezes trabalhe em áreas repletas de conflitos, as imagens que faço são sobre as próprias pessoas. Para mim, o objetivo é encontrar algum tipo de universalidade entre os povos.”


Abbas / Magnum Photos

1986, 1992, 2001: Abbas

Abbas viajou para o Afeganistão em 1986 para cobrir a ocupação soviética do Afeganistão através das lentes de seus aliados do regime afegão, em vez dos mujahedeen apoiados pelos EUA, com quem estavam em guerra. Ele voltou em 1992 e 2001. Trechos de suas impressões iniciais:

“Eu experimentei uma espécie de esquizofrenia permanente durante minha estada de seis semanas no Afeganistão. A realidade nem sempre coincidia com o que o Partido queria que eu visse.

Eu era totalmente livre para ir aonde o Partido quisesse que eu fosse, isto é, apenas nas zonas controladas pelo regime. Estava fora de questão ir para Kandahar, Herat, Ghazni ou Bamyan, embora essas sejam regiões interessantes porque os rebeldes são ativos lá ... Um 'jornalista' me acompanhava em todos os lugares e, como soube de um de seus colegas , ele relatou todas as manhãs nos escritórios do Serviço Secreto. Eu poderia fotografar o que quisesse - exceto o exército afegão ou os russos, civis ou militares. ”

“Todas as minhas visitas às instituições eram, é claro, organizadas, mas meus guias nunca tentaram influenciar as fotos que tirei ou as perguntas que fiz. Falo farsi fluentemente (que Abbas disse ser muito próximo da língua oficial, dari) e, portanto, não precisei de um intérprete. Mas o liberalismo de sua atitude foi notável para quem conhece os países do Bloco de Leste, onde só é permitido ver o que é 'positivo'. Meus guias afegãos nunca tentaram esconder a grande pobreza de seu país. ”

“O Ocidente alguma vez viu algo no toque de clarim do movimento de resistência afegão, a não ser um método para conter o que vê como expansionismo soviético? Alguma vez ela se preocupou com o destino dos próprios afegãos? ……… Esta reportagem sobre o Afeganistão também foi, para mim, um retrocesso no tempo. Iraniano, nostálgico do seu próprio país, rapidamente encontrei aqui as minhas raízes. Um povo orgulhoso e digno, acolhedor e generoso… Um céu turquesa e a luz do alto planalto asiático… o pó ocre… o canto noturno do muezim… as rosas, rosas extraordinárias…”


Chris Steele-Perkins / Magnum Photos

1994-1998: Chris Steele-Perkins

Agosto de 2021 trouxe alertas de notícias diárias sobre o rápido avanço do Taleban em tomar o território sem ser impedido pelas tropas do governo afegão. Em meados de agosto, as autoridades americanas estimaram que Cabul poderia cair em menos de um mês. Na verdade, o Taleban estava no controle da capital, exceto no aeroporto, apenas cinco dias depois.

Chris Steele-Perkins fornece um plano em fotografia documental do que está por vir no Afeganistão com sua cobertura ao longo da década de 1990. Essas imagens, tiradas de 1994 a 1998, documentam a destruição de Cabul: moradores se voltaram para refugiados e mulheres recuando para o segundo plano. Steele-Perkins lembra que, em 1996, parecia que a capital caiu da noite para o dia nas mãos do Taleban. “Eles acabaram de se mudar”, disse ele. “Não foi como uma grande luta nem nada. Acordar de manhã e ouvir que Cabul havia caído foi muito pouco dramático ”.

Aqui está sua lembrança dos primeiros dias em setembro de 1996:

“O Talibã controla o aeroporto. Pedimos permissão para fotografar. Um jovem mullah sai de um prédio. Ele mal está na casa dos vinte anos - corpo macio e superalimentado e rosto rechonchudo e sem rugas. Ele não sabe nada sobre luta, mas está no comando. Ele nos dá permissão, desde que não fotografemos os soldados, e depois desaparece dentro de casa, sem se preocupar se seguimos suas instruções. Um caminhão carregado de jovens para e eles caem cobertos de poeira de sua jornada. Dizem que são novos voluntários, vindos diretamente das madrassas, as escolas religiosas do Alcorão. ‘Viemos lutar por Alá’, proclamam todos. Um contêiner enferrujado é aberto e contém um arsenal de armas automáticas, velhas AK-47s já usadas com dureza. Todos eles avançam conforme as armas são distribuídas. Eles estão inseguros, lidando com eles de maneira desajeitada, sentindo seu peso, atrapalhando-se para tirar os clipes. Alguns enfiam flores no barril. Eles riem nervosamente e sobem de volta na caminhonete, agitando suas armas no ar. Agora eles são homens. Lutadores de Alá.”

Alex Majoli / Magnum Photos

2001: Alex Majoli

Depois de se tornar um membro pleno da Magnum Photos em 2001, Alex Majoli cobriu a queda do regime do Taleban no Afeganistão e, dois anos depois, a invasão do Iraque. Nas palavras de Majoli:

“'Eu venho de um país que não existe mais, você vê. Eu venho do Afeganistão, 'um homem me disse em Roma anos atrás. ”

“Fui ao Afeganistão duas semanas depois dos ataques terroristas de 11 de setembro. Para minha primeira viagem ao Afeganistão, segui as tropas da Aliança do Norte localizadas na cidade de Dasht-e-Qala ao norte. Passei quase 20 dias esperando entre as linhas de frente e o 'quartel-general da força de jornalistas' em Khoje Bahauddin por uma ofensiva que nunca chegou ou pelo menos não chegou a tempo para o prazo de minha missão. ”

“Eu não estava pronto o suficiente para esta guerra. Coisas técnicas como telefones por satélite (de preferência ISDN), câmeras digitais, geradores elétricos, suporte de longo prazo da revista e, claro, uma determinação completa do fotógrafo foi a única maneira de acompanhar os acontecimentos no Afeganistão. Essas palavras não são uma desculpa, mas um prefácio para as fotos que você vai ver. Quando voltei para a segunda viagem, trabalhei quase todo o tempo em Cabul. Antes de sair do país, parei em Tora Bora por 10 dias. Tora Bora é apenas um dos milhares de nomes dados a essa cadeia de montanhas. ”

“Eu nunca entendi realmente onde estava neste país árido e intenso.”


Moises Saman / Magnum Photos

2001–2011: Moises Saman

O fotógrafo da Magnum, Moises Saman, viajou pela primeira vez ao Afeganistão nas semanas seguintes aos ataques de 11 de setembro de 2001, enquanto trabalhava para o Newsday, o jornal de Nova York onde ele trabalhava na época. Ao longo de um período de 10 anos, ele fez várias viagens. Saman fala sobre suas memórias, como o Afeganistão moldou sua fotografia e uma imagem que ainda tem um efeito emocional sobre ele uma década depois.

“A beleza das montanhas imponentes e do terreno acidentado e as cicatrizes de décadas de guerra que são visíveis em todos os lugares”, diz Saman, refletindo sobre seu trabalho no país. “Lembro-me principalmente das crianças, da geração mais jovem do Afeganistão e das inúmeras vezes em que fui inspirado por sua dureza e capacidade de fazer o melhor, apesar de sua condição.”

“A oportunidade de retornar em um período de 10 anos certamente abriu meus olhos além do que estava na superfície, e espero que essa experiência adquirida se reflita em meu trabalho. Acho que, durante esses longos relacionamentos, há um momento em que você deixa de reagir às "notícias" para tentar encontrar suas próprias respostas, e é quando sua linguagem visual também muda para se tornar mais pessoal. ”

“Uma das minhas imagens mais emocionantes está entre as últimas que fiz no Afeganistão, em 2010, retratando um encontro de anciãos em Marjah, na província de Helmand, com o recém-nomeado governador provincial dos EUA. A vila tinha acabado de ser tomada do Taleban após uma luta intensa, e os EUA estavam implementando uma estratégia conhecida como 'governo em uma caixa' que falhou imediatamente. Lembro-me de sentir a energia naquela sala, a desconfiança entre as pessoas lá e uma sensação iminente de desgraça sobre o futuro.”


Thomas Dworzak / Magnum Photos

2001– 2013: Thomas Dworzak

Duas semanas após os ataques de 11 de setembro, o fotógrafo da Magnum Thomas Dworzak estava no Afeganistão. Ele seguiu a Aliança do Norte, que estava se reagrupando após o assassinato de seu líder militar Ahmad Shah Massoud em um complô da Al Qaeda e do Taleban antes de 11 de setembro. Dworzak viajou documentando o grupo —que recebeu apoio militar dos EUA— em sua luta, todos os caminho para Cabul e depois para Kandahar, o coração do Talibã.

Desde 2004, ele tem documentado os militares georgianos, que se juntaram ao que o ex-presidente dos Estados Unidos George W. Bush chamou de “coalizão dos dispostos”, juntamente com os esforços de guerra dos Estados Unidos e da OTAN no Iraque e depois no Afeganistão. Em um alinhamento que tinha menos a ver com o Afeganistão e mais com o desejo da Geórgia de ser protegida pelo Ocidente da Rússia, os soldados georgianos treinaram, lutaram e morreram. Dworzak capturou momentos íntimos em Tbilisi, incluindo uma mãe idosa se despedindo de seu filho oficial militar, soldados abençoados por padres durante o treinamento na Alemanha e o primeiro soldado georgiano que morreu em combate ao ser devolvido à sua aldeia nas montanhas para ser enterrado.

Dworzak coletou retratos de estúdio de soldados talibãs durante sua cobertura da queda do regime talibã em 2002. Pensa-se que a maioria dessas imagens feitas por um fotógrafo de estúdio de Kandahar são de soldados talibãs que se sentaram para retratos no início de novembro de 2001, mas não puderam pegá-los, pois eles tiveram que fugir do avanço da oposição e do bombardeio dos EUA. Ele ficou intrigado com a dicotomia do Talibã como uma força de combate brutal e a estética do campo dessas imagens altamente retocadas de soldados que pediram que retratos lisonjeiros fossem tirados em segredo na sala dos fundos de um estúdio fotográfico. O Taleban evitou fotografar os vivos em sua interpretação das regras islâmicas. Posteriormente, essa restrição foi suspensa para permitir fotos de passaporte.

Jerome Sessini / Magnum Photos

2004, 2010: Jerome Sessini

O fotógrafo da Magnum, Jerome Sessini, estava no Paquistão logo depois do 11 de setembro de 2001. Incapaz de entrar no Afeganistão, ele ficou no Paquistão para cobrir as questões do cultivo ilícito de ópio, produção de heroína e fabricação de armas. Três anos depois, ele teve a oportunidade de trabalhar em Cabul, pois estava interessado em documentar o impacto do uso de drogas na população local.

“O Afeganistão é conhecido como o maior produtor e comerciante de heroína do mundo, mas os habitantes locais são os mais gravemente afetados pelo uso de heroína e ópio - jovens, velhos, mulheres e homens. Quando viajei para lá, pude ver todos os tipos de pessoas que, por diferentes motivos, eram viciadas em heroína ”.

Em várias ocasiões, Sessini foi incorporado aos militares franceses e aos fuzileiros navais dos EUA.

“Estive com os fuzileiros navais por um mês na província de Helmand em 2010. Meu parceiro nas patrulhas era um fuzileiro naval de 20 anos, de Trenton, Geórgia. No último dia, ele me pediu para me juntar a um grupo de 10 para uma patrulha arriscada nas profundezas do território talibã. Eu estava cansado e preferi ir para Cabul fazer uma pausa. Quando cheguei ao acampamento militar em Cabul, recebi um e-mail do 1º Ten Scott Cook, que comandava o esquadrão com o qual acabei de entrar. Meu parceiro, Lance Cpl. William Richards pisou em um IED e morreu no campo no meio do nada, cercado pelo Talibã, que havia proibido o resgate de helicóptero. ”

Larry Towell / Magnum Photos

2008–2011: Larry Towell

“Em 11 de setembro de 2001, vários fotógrafos da Magnum e eu estávamos na cidade de Nova York no dia em que as Torres Gêmeas foram atingidas. Eu estava perto da base do World Trade Center quando o segundo prédio desabou e escapei de ser enterrado vivo em um tornado de destroços ao pular no que me lembro como um saguão de hotel”, disse Larry Towell.

“Os eventos do dia me assustaram, mas não tanto quanto a visão do chefe de estado mais poderoso da terra declarando na TV, na linguagem do Velho Oeste, uma guerra sem fim, sem estratégia de saída contra um inimigo que não tinha estado, sem fronteiras. Em termos militares, era invencível. Você não pode matar um fantasma com uma arma, um fantasma que prospera nas sombras de estados-nação falidos. É hora de repensar a Guerra ao Terror.”

“Fotografei as pessoas em estado de choque nesta terra desfigurada entre 2008 e 2011. No final, isso me atingiu na pele e na alma; isso me desgastou nas bordas porque eu fiz amigos que eu me importava. Três dos cinco colegas afegãos com quem trabalhei tiveram de fugir do país devido a ameaças de morte por trabalhar com estrangeiros, o que é comum em conflitos onde as linhas se confundem entre ocupação e campanhas militares desfilando como ajuda externa e entre jornalismo e propaganda criada por incorporação com tropas. ”

“À medida que uma viagem se seguia à outra, ficava cada vez mais perigoso sair do meu quarto de hotel, mesmo em Cabul, quanto mais dirigir em aldeias, exceto em um veículo militar - de preferência um pairando no ar. A insurreição estava ficando mais forte, o que significa que os insurgentes estavam ganhando nas bases em áreas onde as pessoas tinham sofrido mais com conflitos, negligência e corrupção. No início da guerra, a narrativa oficial era que era possível vencer, que os americanos logo derrotariam os bandidos, que o Exército Nacional Afegão (ANA) manteria o status quo após ser profissionalizado por seus treinadores, e que, enquanto os EUA ainda estavam expandindo a infraestrutura, eles também estavam se retirando. Essa narrativa se desfez. ”

Peter van Agtmael / Magnum Photos

2007–2009 e em andamento: Peter van Agtmael

Em 2007 e 2008, o fotógrafo da Magnum Peter van Agtmael passou vários meses nos remotos postos avançados americanos do leste do Afeganistão. Depois disso, ele trabalhou sem incorporação em Cabul e na parte norte do país. Quando não estava no Iraque e no Afeganistão, van Agtmael fotografou a guerra em casa, após a recuperação dos soldados feridos e das famílias dos mortos. Van Agtmael descreve sua experiência:

“Eu fui ao Afeganistão pela primeira vez em 2007. Eu estava cobrindo a guerra no Iraque, que dominou amplamente a cobertura de notícias na época. Comecei a me perguntar o que estava acontecendo com a presença americana no Afeganistão e providenciei uma incorporação. Foi uma guerra completamente diferente. Fui para o leste, onde a luta estava começando a se intensificar nas montanhas. Fiquei chocado com a pequena presença americana encarregada da vaga missão de interditar os insurgentes vindos do Paquistão. A paisagem montanhosa era totalmente vasta, vales inteiros patrulhados por algumas dezenas de americanos e ainda menos aliados afegãos. Lembro-me de perguntar a um jovem comandante o que aconteceria se eles conseguissem controlar o vale. Ele olhou para mim como se eu fosse louco e disse: ‘Eles simplesmente irão para o próximo onde não estivermos presentes’ ”.

“É difícil escolher minhas memórias mais fortes, mas suponho que sejam da primeira pequena base de patrulha no Vale Pech em que entrei, apelidada de “Califórnia”. A unidade estava nas últimas semanas de uma turnê de 15 meses. Eles estavam cobertos de sujeira e sujeira, e viviam em bunkers que pareciam com a Primeira Guerra Mundial. Muitos soldados fumavam haxixe regularmente com a pequena unidade afegã estacionada lá. A liderança mal fez patrulhas. Cachorros vadios vagavam e, periodicamente, crianças da vila vizinha vinham vender comida para os soldados doentes de ERM. Eu comi um pouco, tive uma intoxicação alimentar terrível e me lembro de suar em uma enxurrada de morteiros na esperança de não perder meu almoço por todo o bunker apertado. O conselheiro da Marinha com quem eu estava não conseguia parar de rir da minha situação. Ele foi morto não muito depois.”

“Desde o início, foi difícil imaginar o Afeganistão como uma guerra vencível. A geografia era vasta, a população rural geralmente era incrivelmente hostil aos americanos e seus representantes afegãos e a grande estratégia parecia, na melhor das hipóteses, confusa. Essa dissonância entre a vasta máquina de guerra balançando para a frente e as condições insustentáveis ​​no solo moldou minha maneira de trabalhar.”

quinta-feira, 19 de agosto de 2021

Pioneira: Judy Chicago, artista entre fotografias

agosto 19, 2021 | por Adriana Vianna

Em março de 2021, trouxemos Judy Chicago para dentro do curso “Nu Feminino” e novamente a trazemos para dentro do curso “Corpo Feminino” não só pela relevância do trabalho feminista que a artista multimídia tem buscado desde os anos 60 para a liberdade cultural das mulheres, mas também por ser uma pioneira na inserção da fotografia dentro da linguagem híbrida de seu corpo de trabalho que celebra as conquistas femininas.

Judy Chicago nos anos 80

Judy Chicago é pioneira das artistas feministas que criaram espaço para a visibilidade do corpo feminino através da arte e também da apropriação da fotografia como parte integrante de um processo que guarda e preserva a memória das obras efêmeras a partir dos anos 60, quando houve ascensão da Land Art - um segmento artístico que não é possível expor dentro de galerias e museus, a não ser por meio das fotografias e filmagens. 

O historiador Andre Rouillé contorna esse enlace pela participação da fotografia no que ela se tornou um dos materiais possíveis da arte, se não um dos mais preferidos e até mesmo, exclusivo. Essa aliança deixou um caminho aberto, num mapa geral, para as artes das instalações e performances efêmeras. Com isso a fotografia, que tem linguagem própria, ganhou mais espaços em galerias, museus, e coleções do mundo inteiro. A razão, contorna Rouillé, deve ser encontrada na resistência que o material-fotográfico oferece em contrapartida ao opor-se à desmaterialização da arte no contexto pós moderno. 

Uma das provas dessa valorização tem sido a aquisição de fotografias pelos museus. 

Recentemente, foram publicadas em sua página oficial notícias que revelam que o Museu de Arte de Nevada adquiriu todas as fotografias que registraram as obras efêmeras da coleção “Smoke Bodies”.  O Museu Nacional de Mulheres nas Artes anunciou a criação do Arquivo Visual Judy Chicago, na Biblioteca e Centro de Pesquisa Betty Boyd Dettre do museu - o arquivo documentará a carreira de Chicago por meio de fotografias, slides, negativos e obras efêmeras impressas. Isso entre exposições visuais agendadas ainda para 2021 que celebram sua obra, cuja luta ao longo da vida foi contra a supressão e o apagamento da criatividade das mulheres e que, finalmente, deram uma volta completa.

Judy Chicago, desde os anos 60, trabalha com performances produzidas com máquinas de fumaça. Muitas vezes com corpos nus procurando transformar e suavizar a paisagem ela introduzia através das cores e fumaças o que ela chama de um impulso feminino no ambiente. Durante as performances, outras artistas recriavam atividades primitivas centradas na mulher: acender fogo ou a adoração de figuras de deusas. Chicago traz esse esforço para feminizar a atmosfera em uma época em que a cena artística do sul da Califórnia era quase inteiramente protagonizada pelos homens. 

Judy Chicago, Immolation, 1972, fogos de artifício, deserto da Califórnia, CA.
© Judy Chicago / Artists Rights Society (ARS), Nova York. Foto do acervo Through the Flower

Judy Chicago, Smoke Goddess / Woman with Orange Flares, 1972, fogos de artifício, Los Angeles, CA. © Judy Chicago / Artists Rights Society (ARS), Nova York. Foto do acervo Through the Flower

Artista entre Fotografias 

É interessante observar que as milhares de fotografias adquiridas pelos museus estão entre outras linguagens, tais como filmes, mapas, desenhos, maquetes, pinturas, configurando e protagonizando o imenso acervo artístico que, em muitos casos, só é possível saber que existiram e existem, por meio das fotografias. 

Hoje, com as inúmeras pesquisas sobre o conceitualismo nas mais diversas áreas, podemos constatar o quanto presente a fotografia esteve nos trabalhos dos artistas dos anos 1970 e somos levados a observar que não se tratava de um uso tão circunstancial quanto diziam os artistas na época, muito ao contrário. 

Nessa década, a imagem fotográfica passou a interessar aos artistas devido a muitas de suas propriedades: seja por sua presença no tecido social; por sua filiação às convenções da representação, seja por sua capacidade de registrar ações efêmeras e estabelecer uma ligação aparentemente direta com o mundo visível. 

Judy Chicago, Suzanne Lacy, Sandra Orgel e Aviva Rahmani (patrocinado pelo Programa de Arte Feminista da CalArts), Ablutions, 1972, performance com mídia mista, estúdio de Guy Dill, CA.
Foto do acervo Through the Flower

Artista Feminista Pioneira

Judith Sylvia Cohen, assumiu legalmente o sobrenome de sua cidade natal depois de ficar viúva aos 23 anos de idade, em 1970, passando a usar o nome artístico de Judy Chicago. 

Simbolizando sua luta pela identidade ao longo da vida, ela narra em Through the Flower: My Struggle as a Woman Artist (1975) que pretendia incentivar a liberdade para outras mulheres através de suas lutas e também a escaparem de algumas armadilhas que atrasam o desenvolvimento, criam expectativas inúteis nas quais mulheres vivem e repetem ao longo da história consolidando padrões centrados no ponto de vista patriarcal. Sua trajetória artística é um conjunto de ações que traspassam esse objetivo. 

Entre tantas ações, a obra-prima foi criada entre os anos 1974-1979 quando construiu “The Dinner Party”, uma obra de arte monumental concebida como uma história simbólica das mulheres na civilização ocidental. Contrariando estrategicamente o apagamento tradicional das conquistas femininas, esta instalação épica homenageia 1.038 mulheres icônicas, míticas, arquetípicas, históricas, e exemplifica seu esforço contínuo como artista, educadora e autora para elevar as mulheres das margens da sociedade e da história. A obra - em exibição permanente no Museu do Brooklyn - apresenta 39 pratos de cerâmica que representam mulheres famosas da história, e mais 999 nomes inscritos no chão.

Judy Chicago, The Dinner Party, 1974-1979, mídia mista, 48 x 48 pés, Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, Collection of the Brooklyn Museum. © Judy Chicago / Artists Rights Society (ARS), Nova York Foto © Donald Woodman / Artists Rights Society (ARS), NY

Cada imagem é uma fotografia e podem ser apreciadas na íntegra e individualmente em sua página oficial

Judy Chicago, vista da instalação do Wing One, tiras Judith e Safo talheres de The Dinner Party, 1979, Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, Collection of Brooklyn Museum. © Judy Chicago / Artists Rights Society (ARS), Nova York Foto © Donald Woodman / Artists Rights Society (ARS), NY


Panteão Poético e Político do Corpo Feminino

Na obra-prima “The Dinner Party”, Judy Chicago celebra a presença feminina nas mulheres mitológicas, deuses, filósofas, artistas da história da humanidade. São 39 nomes na grande mesa de 14 metros e mais 99 nomes inscritos no chão. A obra despertou polêmicas por conta dos pratos de cerâmica com formas semelhantes as partes íntimas femininas, entre outras questões. 

Na exposição, a fotografia está por toda parte protagonizando com as diversas linguagens artísticas que foram instrumentos e suportes para a realização conceitual da obra: O “Mural Fotográfico” expõe fotografias, desenhos, textos, detalhes do longo processo artístico e o grande “Mural de Reconhecimento” onde expõe fotografias das centenas de colaboradoras que ajudaram a construir “Dinner Party”.

É nesse campo que observamos o grande enlace entre a fotografia e a artista, a ficção e a vida real, onde figuras femininas históricas homenageadas por Judy Chicago estão junto as figuras femininas vivas e contemporâneas que colaboraram efetivamente para sua realização também homenageadas no grande mural do reconhecimento. Um verdadeiro panteão poético e político do Corpo Feminino. 

Esse Panteão Feminino estará no nosso curso Corpo Feminino na Fotografia e nas Artes que acontecerá no mês de setembro. 

Visualização da instalação dos Painéis de Reconhecimento do Jantar no Museu de Arte da UCLA Armand Hammer. © Judy Chicago. Foto © Donald Woodman / Artists Rights Society (ARS), NY

 Judy Chicago, Painel de Reconhecimento 1 do Jantar, Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, Coleção do Brooklyn Museum. © Judy Chicago. Foto © Donald Woodman / Artists Rights Society (ARS), NY 

“The Dinner Party” foi planejado para ser exibido em uma grande sala escura, semelhante a um santuário, com cada ambiente iluminado individualmente, fazendo com que pareça ser composto por trinta e nove altares. Os 999 nomes, escritos em ouro, brilham suavemente, sugerindo um espaço sagrado ou liminar. A obra levou cinco anos em construção (1974-1979) e o produto do trabalho voluntário de mais de 400 pessoas, “The Dinner Party” é uma prova do poder da visão feminista e da colaboração artística. Foi também uma prova da capacidade de Chicago de criar uma obra de arte que falava com pessoas que antes não faziam parte do mundo da arte.

© Judy Chicago. Heritage Panel #3. Mural fotográfico colorido à mão 1/7. Dinner Party.  

Judy Chicago pintando em seu estúdio de pintura em porcelana, Santa Mônica, Califórnia.
Foto do acervo Through the Flower
Algumas funcionárias e colaboradoras do Jantar fotografados na exposição inaugural da obra, Museu de Arte Moderna de São Francisco, 1979. No fundo, um mural de fotos mostra a festa de 39 anos de Judy Chicago em julho de 1978 em seu estúdio em Santa Monica. Da esquerda para a direita, fileira de trás: Shannon Hogan, Mary McNally, Neil Olson, Judy Chicago; segunda fila abaixo: LA Hassing (anteriormente Linda Ann Olson), Kate Amend, Juliet Myers, Helene Simich, Sharon Kagan, Leonard Skuro; terceira fila abaixo: Thea Litsios, Elaine Ireland, Kathleen Schneider, Judye Keyes, Susan Hill, Diane Gelon, Anita Johnson; fila da frente (sentados no chão): Ann Isolde, Terry Blecher, Peter Bunzick. Foto do acervo Through the Flower

“Não desista. É muito importante confiar em seus impulsos como artista, não importa o que os outros digam”
Judy Chicago

quinta-feira, 1 de julho de 2021

Fotopoema: Natureza Minha, de Silmara Luz

julho 01, 2021 | por Adriana Vianna

Vem de Gertrude Stein a leitura de que “as coisas são o que são” quando ela escreveu num poema o verso: “Rosa é uma rosa é uma rosa é uma rosa”. A primeira Rosa era uma pessoa física, com número de identidade social e comprovante de residência. As outras rosas que lhe foram designadas pelo verbo sugeriam vestígios da associação do nome da coisa à imagem da coisa e, por consequência, a existência concreta da coisa.



Gertrude Stein, romancista e poetisa nos anos loucos de Paris, estava levantando a tese de que entre os românticos do final do século 18 quando diziam a palavra “rosa" estavam literalmente se relacionando com a “rosa”, a rosa vermelha do jardim. Já os modernos do início do século 19 quando diziam "rosa" estavam não só se referindo à rosa real, mas também aos arquétipos que possam existir na figura “descoisificada” da “rosa”.

O livro “Natureza Minha”, de Silmara Luz, que transparece algum status da mulher no mundo contemporâneo e que expõe flores sem falar sobre flores, parece jogar com esses dois pontos de vista: o do Romantismo quando mostra flores sendo que são o que são: flores; e o do Modernismo quando o que se apresenta em combinação de imagens super saturadas, close-ups explícitos e poesias ácidas, que expressam idiossincrasias próprias das paixões que expulsam a “descoisificação” das coisas concretas, para “coisificar” as manchas dos sentimentos abstratos, ou seja, para transformar em coisa, em material, em objeto concreto, o que existe por dentro. Em outras palavras, encontramos a boa e velha catarse numa obra singular, bem apropriada para revelar que flores são flores que nunca saem de moda e que poesia é poesia é poesia é poesia.

Fotopoema

Entorpecida, Embu-Guaçu - 2009

“O vício por amor é dose dependente. Quanto mais se tem, mais se precisa pra suprir os efeitos entorpecentes. A abstinência gera uma síndrome pior que a adição por açúcar, nicotina ou heroína. Mas como com qualquer outra droga, o organismo se acostuma e consegue sobreviver, mal e porcamente, sem. Até o momento em que um único sinal, cheiro ou resquício, ínfimo que seja, esquecido em algum canto do coração mal lavado resolva emergir subitamente pra devastar o que ainda resta de dignidade aos humores viscerais. É a orgia das sinapses se embebedando nas dopaminas pela presença das migalhas viciantes. Não há tratamento. Só a espera pelo afogamento dos estúpidos neurônios nas próprias endorfinas e adrenalinas e até que se esqueçam que a vida pode ser muito mais que apenas migalhas.” (Adição, Jul, 2008)


Autora

Silmara Luz, nascida em São Paulo/SP, em 1971, reside na zona sul da cidade onde trabalha e estuda. Recebeu a fotografia de herança familiar e fotografa desde quando ganhou sua Tira-Teima. Com graduação na área de Educação, tem mestrado e doutorado na área de Saúde pela Universidade de São Paulo. Técnica em Processos Fotográficos pelo SENAC/SP e em Turismo pela ETEC/SP, tem especial interesse nas questões sociais e antropológicas da fotografia, bem como ambientais e culturais. Desenvolve roteiros fotográficos por São Paulo pela Kultura Fotográfica, onde busca unir toda sua formação em educação, saúde, lazer e cultura.

Livro





Fotos: Henry Milléo - Artisan Raw Books

Self-made woman

“Natureza Minha” é o primeiro livro do selo Self-made woman da Artisan Raw Books, que já possuía o selo Self-made man.



FICHA TÉCNICA:
Livro: Natureza Minha
Autora: Silmara Luz
Número de páginas: 48 páginas
Apresentação: Silmara Luz
Formato: 20 x 20 cm
Tiragem: 20 cópias
Primeira impressão colorido
Preço: R$ 80,00
Editora: Artisan Raw Books

sexta-feira, 28 de maio de 2021

Mari Mahr, fotografia tableau e hiper realista

maio 28, 2021 | por Adriana Vianna

Documentando o que quer contar, ela constrói uma enorme arquitetura de memórias, desenvolvendo conversas íntimas a partir de objetos pessoais herdados da família e de histórias de mulheres inspiradoras, como Lili Brik.

"Heani at Crear", 2007

Mari Mahr nasceu em 1941 em Santiago, filha de judeus húngaros que se refugiaram no Chile durante a Segunda Guerra Mundial. Após a guerra, a família voltou para Budapeste e Mari foi estudar fotojornalismo influenciada pelo cinema da Novelle Vague - movimento francês criado por cineastas avessos aos modelos narrativos do cinema clássico, entre outras premissas. Em 1973 ela migrou para Londres onde vive desde então. 

Foi em 1989 que o crítico Jean-François Chevrier cunhou a ideia de forme tableau como uma maneira de “acentuar a importância da realidade como quadro" na fotografia contemporânea do final do século XX. Associando à síntese, temos o termo teatral tableau vivant que remete à pintura viva, quase pantomina, que nos primórdios da fotografia consistia em colocar as figuras posadas como se estivessem a posar para uma pintura. No cinema (tableu shot) existem alguns exemplos em Sergei Parajanov, Chantal Akerman, Wes Anderson, Peter Greenaway ("O cozinheiro, o ladrão, sua esposa, e o amante", entre outros), Luis Bunuel, por exemplo, na película "Veridiana" quando um grupo de mendigos encena o quadro "A Última Ceia" de Leonardo Da Vinci.

No conjunto da obra, o trabalho de Mari é um exemplo muito próximo da fotografia tableau e 'hiper-narrativa', pois não se trata apenas do registro de um instante; trata-se de ter um foco no ponto de partida visual, que não está na frente da câmera, mas atrás dela - na mente e nas emoções da artista. Seu trabalho é um exemplo de que a ideia da qual se cria uma fotografia para fazer uma pausa, contemplar e refletir, é um processo laborioso de edição e elaborar diversos conceitos para contar uma história, não apenas um registro documental e linear do presente imediato. A ênfase se encontra no processo da narrativa que constitui a obra a partir da realidade como ficção.

É preciso entrar no trabalho de Mari com a certeza que o tempo será pouco para tantos desdobramentos. Seu trabalho é extenso e laborioso, mas não é pretensioso, pelo contrário, afasta-se de qualquer pretensão revolucionária. Suas imagens combinam um forte senso de individualidade com consciência global, abordando questões universais sobre pertencimento. Os objetos retratados, que associa aos diferentes lugares, culturas e línguas de onde ela vem, são os vasos da sua história.

"Alegórico" da série "Palavras, palavras, palavras", 2007

Nessa série mais recente, Mari reúne os dicionários que tem em casa e relaciona os objetos familiares às palavras e com os lugares onde viveu. "Alegórico" está no dicionário Francês-Inglês.

"Contos de dentro de uma mala", 2002

Nessa série, também no estilo tableau, Mari trata de narrar sua história de vida mostrando malas e objetos preciosos que acompanharam a viagem de sua família para o Chile, situação semelhante que se repetiu vinte anos depois com sua filha, quando a levou de Budapeste para Londres. Na mala são apresentadas várias histórias tradicionais de brinquedos de várias gerações da família.

"Chances de Vida", 1996 (série com 25 imagens)

Nessa série Mari narra sobre como a história da Europa afetou a história familiar, de modo que o encontro de seus pais, a fuga para o Chile, criaram contornos para o nascimento e seu futuro de influências culturais da arquitetura modernista, espanhol latino-americano, húngaro, raízes judaicas e valores cristãos que tornam-se os blocos de construção de sua existência.

"Minha filha, minha querida", 1992

Nesse ano de 1992, Mari construiu um palco para conversar com a filha e transmitir as culturas familiares. O objeto foi plantado com um fundo fotográfico de paisagem chilena e nele aparecem fotografias, livros, frutas, dinheiro, tabuleiro de xadrez, e também alguns vazios.

"Alguns dias em Genebra", 1985 




A série de 1985 revela uma ressignificação das memórias da infância quando podia olhar para os telhados e ruas com seus paralelepípedos e sonhar. Nas imagens, em closer, vemos uma Mari gigante, adulta, na relação figura fundo, expressando sensações que nós já tivemos em ocasiões que visitamos espaços que frequentávamos quando crianças.

Resumo de Aula. Visite o site para saber mais sobre Mari Mahr.

quinta-feira, 13 de maio de 2021

Autorretratos como catarse

maio 13, 2021 | por Adriana Vianna

Desde o Renascimento e o Barroco, a prática artística de retratos e autorretratos rompeu com as formalidades da arte encomendada, deixando à fotografia um legado de expressões autorais

No campo feminino, temos muitas fotógrafas atuando no segmento da auto representação com diversas finalidades: do lúdico ao político, do sonho à superação da realidade. Na Oficina de Retratos e Autorretratos que vamos ministrar neste mês de maio será oferecido um amplo repertório poético com 50 referências contemporâneas para serem apreciadas em casa. Até o dia da oficina, vamos demonstrar alguns exemplos aqui no Resumo Fotográfico.

Brittany Markert nasceu em 1987 na Califórnia, formou-se em Matemática pela Universidade de Santa Clara e foi modelo antes de tornar-se fotógrafa, após uma viagem de trabalho na China, cujo contexto despertou a consciência que aquela indumentária que a modelava, diante do espelho, não a representava. Migrou em 2012 para Nova York, onde se matriculou em um workshop tradicional de impressão em preto e branco na International Center of Photography School, por sua afinidade com fotografia P&B. Desde então, ela trabalha essencialmente com métodos analógicos. Começou com registros informais de viagens até que teve um encontro com as fotografias de Francesca Woodman e mudou sensivelmente seus conceitos sobre imagem. Seguindo sua mentora, conectou-se com seu eu teatral, utilizando a fotografia analógica como meio de libertação catártica e exploração de si mesma. Ela também guarda os negativos de suas primeiras fotos em uma caixa lacrada, datada de 2011 quando pegou pela primeira vez uma câmera 35mm.

Apaixonada pelo processo analógico, ela mantém em sua casa uma câmara escura onde exerce paciência, precisão, sentimento e intenção. Segundo a fotógrafa, cada impressão que decide mostrar é um momento único e decisivo que fala de algo maior do que a sua própria voz. Amante da matemática, ela também percebe os valores de luz e composição como uma experiência que busca solução em nuvens de caos e informações, sobretudo da própria subjetividade que distribui expressões em segmentos do nu artístico e da fotografia de gênero em cenas com objetos antigos que remetem aos anos 40 e 50 onde localizou questões femininas de maus tratos com repertórios de repressão, temas que trata na série de narrativa contínua “In Rooms” e na série “Repulsion & Desire”.

“Apesar de todas as palavras que eu nunca poderei escrever,a câmera se tornou minha caneta”
Brittany Markert
 
Autorretrato, Califórnia, 2014
Impressão de prata gelatina com base em fibra tonificada com selênio

Autorretrato, Califórnia, 2015
Impressão de prata gelatina com base em fibra tonificada com selênio

Autorretrato, Los Angeles, 2015
impressão de prata gelatina à base de fibra

Autorretrato, Nova Orleans, 2016
Impressão de prata gelatina com base em fibra tonificada com selênio

Toybox Theatre, Nova Orleans, 2017
Impressão de prata gelatina à base de fibra

Autorretrato, Nova York, 2018
Impressão de prata gelatina à base de fibra

Autorretrato, Nova Orleans, 2019
Impressão de prata gelatina à base de fibra


“A parte mais difícil da fotografia é pegar a câmera”
Brittany Markert