Diálogo entre tempos, afetos e autorretratos

Através do trabalho de resgate de memória no arquivo fotográfico do pai, a fotógrafa russa Natasha Lozinskaya conta sua própria história no ensaio “The apple never falls far from the tree”

Um dia encontrei uma caixa no armário, esquecida por todos, com o arquivo de filmes fotográficos do meu pai - e a partir desse momento começou o meu diálogo com quem já não está aqui.

Meu pai faleceu quando eu tinha 23 anos e, como descobri, eu não conhecia muito bem esse homem, embora vivêssemos como uma família e sob o mesmo teto. Para mim, ele foi um militar reservado, um coronel, um homem privado e introvertido, um técnico, um matemático, um atleta e aquele que muitos admiravam. Fiquei surpresa ao encontrar três dúzias de filmes fotográficos feitos por ele aos vinte e poucos anos. Mas, acima de tudo, fiquei impressionada com os autorretratos de meu pai, tirados em grande número. Nunca imaginei meu pai assim: talentoso, sensível, atento aos detalhes.

Quando percebi que não teria mais o prazer de conversar com ele sobre fotografia, nem sobre seus autorretratos, o céu dos anos 70 e a sensibilidade espiritual que tinha, decidi continuar o diálogo com a ajuda do arquivo restante. Eu queria juntar dois mundos existentes - aquele capturado em filmes fotográficos e aquele em que vivo. Eu queria encontrar respostas para mim mesma sobre as perguntas: quem é esse homem que me olha corajosamente em fotos em preto e branco? Onde estou aqui, sou aquela que tem medo dos próprios autorretratos?

Combinando neste projeto duas histórias pessoais da mesma família - a minha e a do meu pai - fui ficando cada vez mais consciente de que a comunicação com parentes que já não vivem, sempre continua. Mas, assim como na vida cotidiana, o diálogo deve ser permitido.

Sobre Natasha Lozinskaya

Natasha Lozinskaya é uma fotógrafa russa de arte e documentário, agora radicada em São Petersburgo. Embora ela tenha se formado no Instituto Literário de Moscou com especialização em poesia, ela nunca trabalhou apenas neste campo. A fotografia tornou-se outra expressão de poesia para ela e uma tentativa de encontrar uma identidade nacional e harmonia com o mundo ao redor. As suas obras baseiam-se no sentimento nostálgico de um lar perdido, que procura ver nas personagens, nas paisagens circundantes e nos acontecimentos da sua vida. Por meio da fotografia, ela explora temas como a relação com o passado e a pátria, arquétipos, realismo místico, características sociais e culturais do outback russo em diferentes regiões. Ela é participante de um leilão beneficente de apoio aos médicos “Photographers to Doctors”, participante da exposição e finalista do concurso “Young Russian Photographers” em 2020 e 2021, participante de muitas exposições coletivas em São Petersburgo. Seus projetos foram publicados em edições russas como “Novaya”, “Zapovednik”, “República”, “Colta”.

Fonte: Dodho

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Métodos e poéticas de Julia Margaret Cameron para retratos

O trabalho fotográfico em retratos da pioneira Julia Margaret Cameron é muito considerado por fotógrafas, colecionadores e museus. Por que ela é especial como uma referência na arte da fotografia experimental? O que aprender com os métodos e poéticas?

Para começar vamos lembrar que Julia Margaret Cameron tinha 48 anos quando recebeu sua primeira câmera, um presente de sua filha e genro, e foi por essa ocasião que fez suas primeiras experimentações, improvisando o local de revelação das imagens: "Transformei o quarto de carvão no quarto escuro e um aviário envidraçado que dei aos meus filhos, tornou-se minha caixa de vidro!"

Na ocasião, Cameron já trazia na bagagem conhecimentos sobre fotografia, havia compilado álbuns e feito experiências com a impressão de fotos de negativos. Em uma ocasião, ela imprimiu um negativo do pioneiro fotógrafo de arte sueco OG Rejlander, cercando o retrato com samambaias para criar um quadro de fotograma - uma combinação de uma imagem feita em uma câmera e com uma técnica sem câmera (Anna Atkins). Esse trabalho já mostrava a natureza experimental de Cameron e fornece um vislumbre de sua prática fotográfica antes de adquirir sua própria câmera.

Kate Dore, de Oscar Gustaf Rejlander, possivelmente em colaboração com Julia Margaret Cameron, impressa por Julia Margaret Cameron, por volta de 1862, na Inglaterra | Victoria and Albert Museum

“Beleza, você está presa. Tenho uma câmera 

e não tenho medo de usá-la”

Julia Margaret Cameron

Dominar técnica e criar método

Cameron usava uma câmera de madeira, que ficava em um tripé, era grande e pesada. Ela usava o processo mais comum na época, produzindo impressões de albumina a partir de negativos de vidro de colódio úmido. Um trabalho físico difícil com materiais potencialmente perigosos, o processo exigia que uma placa de vidro (aproximadamente 12 x 10 polegadas) fosse revestida com produtos químicos fotossensíveis em uma câmara escura e exposta na câmera quando ainda úmida. O negativo de vidro era então devolvido à câmara escura para ser revelado, lavado e envernizado. As impressões eram feitas colocando o negativo diretamente em papel fotográfico sensibilizado e expondo-o à luz solar.

Nomear o "primeiro sucesso", o marco de satisfação

Cada etapa do processo oferecia espaço para erros: a frágil placa de vidro precisava estar perfeitamente limpa e livre de poeira; precisava ser revestida por inteiro e submersa em várias etapas; as soluções químicas tinham de ser preparadas corretamente na hora. Mesmo assim, Cameron rapidamente superou as dificuldades dedicada à fotografia e após um mês fez a fotografia que chamou de seu "primeiro sucesso", um retrato de Annie Philpot, filha de uma família que vivia na Ilha de Wight, onde Cameron morava. Mais tarde, ela escreveu sobre seu entusiasmo:

"Eu estava em um arrebatamento de alegria. Corri por toda a casa em busca de presentes para a criança. 

Eu senti como se ela tivesse feito a foto inteiramente."

Julia Margaret Cameron

Annie por Julia Margaret Cameron, 1864, Inglaterra | Victoria and Albert Museum

Perceber a tendência artística de seu estilo

Veio de seu "primeiro sucesso" quando ela passou rapidamente a fotografar família e amigos. Esses primeiros retratos revelam como ela experimentou foco suave, iluminação dramática e composições de close-up, marcas que se tornariam seu estilo característico.

Zoe, Donzela de Atenas. Julia Margaret Cameron | Acervo do Met Museum

“O campo em que a fotografia tem um poder de expressão tão grande que a linguagem nunca pode abordar, é a fisionomia"

 Julia Margaret Cameron 

Investir no gosto pessoal

Com uma câmera maior para tamanhos quase naturais, no verão de 1865, ela iniciou uma série de retratos em grande escala usando close-up - que viu como uma rejeição da fotografia convencional em favor de um tipo de retrato menos preciso e mais atraente, emocionalmente. A câmera segurava um negativo de vidro de 15 x 12 polegadas. Na ocasião ela escreveu a Henry Cole, o diretor do South Kensington Museum (agora V&A), que pretendia com esta nova série “eletrizar você de alegria e assustar o mundo".

Uma fotografia nesta série, intitulada “Head of St. John”, era um retrato da sobrinha de Cameron, May Prinsep. Iluminada de lado, com o cabelo solto, Prinsep parece andrógina, como um santo homem. Cameron escreveu esta fotografia, 'Da vida não ampliada', para enfatizar que a cabeça era quase do tamanho natural. Cameron também produziu uma série de 12 estudos em tamanho natural de cabeças de crianças com sua nova câmera. Pretendiam ser estudos artísticos, feitos com intensidade e ternura.

“Head of St. John”, por Julia Margaret Cameron, 1866, Inglaterra | Victoria and Albert Museum

Entender que os erros e acertos podem indicar o caminho pessoal da estética e confirmar estilo

Cameron incluiu imperfeições em suas fotografias - listras, redemoinhos e até impressões digitais - que outros fotógrafos teriam rejeitado como falhas técnicas. Embora as imperfeições tenham sido criticadas na época, podem agora ser consideradas à frente de seu tempo. Em sua obra “Iolande e Floss”, por exemplo, redemoinhos de colódio usados durante o processo fotográfico se fundem com os redemoinhos da cortina, realçando a qualidade etérea e onírica da imagem.

“Iolande e Floss”, por Julia Margaret Cameron, cerca de 1864, Inglaterra | Victoria and Albert Museum

É difícil dizer se a própria Cameron adotou essas "falhas" ou se simplesmente as tolerou. Sabemos, porém, que às vezes ela rabiscava seus negativos para fazer correções; imprimiu a partir de negativos quebrados ou danificados e, ocasionalmente, usou vários negativos para formar uma única imagem, o que nos diz que ela não se importava com um certo nível de imperfeição visível, no mínimo.

Um de seus exemplos mais extremos de manipulação de um negativo pode ser visto em um retrato de Julia Jackson. Cameron rabiscou uma imagem no fundo deste retrato piedoso de sua sobrinha, para criar um desenho fotográfico híbrido. O desenho de uma figura drapeada em um ambiente arquitetônico evoca a arte religiosa.

Julia Jackson, fotografia, de Julia Margaret Cameron, 1864, Inglaterra | Victoria and Albert Museum

Ela não gostou, porém, de um tipo de imperfeição: a aparência de rachaduras. Ela escreveu para Henry Cole reclamando que o crack arruinou alguns de seus "negativos mais preciosos", incluindo uma fotografia intitulada "O Sonho". Ela culpou seus produtos químicos fotográficos pelas rachaduras, enquanto membros da Sociedade Fotográfica suspeitavam do clima úmido da Ilha de Wight. A teoria de hoje é que deixar de lavar bem os negativos depois de consertá-los causou a rachadura. Ela parecia não se incomodar, no entanto, com as duas impressões digitais borradas no canto inferior direito do “Sonho”.

“O Sonho” (detalhe), de Julia Margaret Cameron, 1869 | Victoria and Albert Museum

Detalhe de “O Sonho” 

O processo de trabalho e os padrões pessoais de Cameron podem ser entendidos como esboços inacabados como comentários, partes de seu processo, e a própria "imperfeição" dessas gravuras sugere que Cameron era uma artista mais perspicaz do que pensavam os críticos, tanto em sua própria época como depois.

Mary Hillier, por Julia Margaret Cameron, cerca de 1864-65, Inglaterra | Victoria and Albert Museum

Criar, cada fotografia conta uma história

Cameron foi uma criadora de histórias, narrativas fotográficas, como dizemos hoje. Ela descreveu seus temas fotográficos nas categorias 'Retratos', 'Grupos de Madonna' e 'Assuntos extravagantes para efeito pictórico'. Em contraste com seu retrato de pessoas, Cameron olhou para a pintura e escultura como inspiração para seus temas alegóricos e narrativos. Ela fez alguns trabalhos como interpretações fotográficas de pinturas específicas de artistas como Raphael e Michelangelo. Em outros, ela pretendia criar de forma mais geral o que descreveu como “efeito pictórico”.

A doce liberdade da ninfa da montanha, 1866. Julia Margaret Cameron | Acervo do Met Museum

Na fotografia de Miss Keene como uma modelo cativante sobre a qual nada sabemos além de seu sobrenome, percebemos como olha diretamente para a câmera (para o observador), com os cabelos soltos e os olhos arregalados. Preenchendo o quadro, ela parece sair de cena. A fotografia leva o título do poema “L'Allegro”, de John Milton, uma celebração dos prazeres da vida:

Venha e viaje enquanto caminha

Com o dedo do pé leve e fantástico;

E em tua mão direita conduza contigo

A ninfa da montanha, doce Liberdade.

Cameron enviou a fotografia ao seu amigo, o renomado cientista Sir John Herschel, que respondeu: “Aquela cabeça da 'Ninfa doce liberdade da montanha' parece um pouco tímida e perturbada pelo caminho, como se fosse a primeira vez a se soltar (e meio com medo de que fosse bom demais para durar) é realmente uma peça de alto relevo surpreendente. Ela está absolutamente viva e projetando a cabeça do papel para o ar. Este é o seu próprio estilo especial.” Herschel aproveitou a qualidade mais impressionante da fotografia, seu surpreendente senso de presença e de conexão psicológica com o observador.

“A capacidade de encantar é o dom de prestar atenção”

Julia Margaret Cameron (1815–1879)

Ao longo de sua carreira Julia Margaret Cameron continuou a trabalhar alternadamente entre retratos, grupos de Madonna e 'temas sofisticados para efeitos pictóricos', movendo-se confortavelmente entre fotografar figuras famosas de seu círculo social e seu mundo mais próximo, incluindo membros de sua família e da casa. A coleção de gravuras de Cameron é representativa bem como da natureza inovadora e experimental de seu processo de trabalho.

Fontes: V&A Museum, The MET Museum, Dimbola Museum & Galleries

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Ellen Kuras, emoções, metáforas e narrativas fotográficas

Apresentar histórias no suporte da fotografia é abraçar elementos mais profundos sobre pessoas, lugares, eventos. A narrativa fotográfica é diferente, ela não conta somente o que aconteceu e como aconteceu, ela mostra como as pessoas estão lidando com o que aconteceu. A captura das imagens e também o que é deixado de fora do quadro, tem imenso valor. Fotografar é viver do gesto do corte. Os cortes constituirão a história fotográfica, e o modo como a história será contada dependerá exatamente do corte e da colagem entre cenas.

O processo tem muitas fases: planejar, fotografar, editar, finalizar. A prática não é tão simples. Cada etapa precisa de cuidados pontuais para que a história alcance o coração da obra: poesia, filosofia, emoção que humaniza. Para isso existem tipos de pacotes e ensaios fotográficos acompanhados de textos, ou histórias fotográficas com imagens que dispensam mil palavras. Também existem muitos métodos fotográficos, assim como existem muitos métodos literários - nenhum método é chave que abre de igual modo para todos. Por isso escolhi a fotógrafa Ellen Kuras para desse tema. 

Ellen Kuras é uma fotógrafa que tem chaves próprias para narrativas fotográficas. Ela trabalhou com grandes diretores e tornou-se inesquecível com as imagens do inesquecível “Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças” (Eternal Sunshine) de Michel Gondry. Ela é a primeira fotógrafa da nossa lista que deixa pistas de seu processo artístico.

Neste artigo faço um brevíssimo resumo da adaptação que fiz, de seu workshop, para uma aula lecionada no Grupo de Estudos Imago.

Metáfora visual

Para começar a pensar num projeto fotográfico narrativo é importante entender que “as imagens devem sempre refletir o significado da história”, diz Ellen. É importante não se envolver tanto com a técnica, com a forma e com as ferramentas, a ponto de esquecer o que está tentando dizer. Se, atualmente, alguém pode contar uma história visual com um iPhone, então a pergunta é: “o que o distingue de outra pessoa?”  

Entendemos que a resposta está no “ponto de vista” que cada um tem e revela nas escolhas que faz para modelar as emoções que atravessam a história, pois é a subjetividade que cria a metáfora visual que vem para dar corpo concreto a uma impressão. O olho capta o real, a câmera revela o que o olho capta, mas é a fotografia que revela a imagem do olho. “Ver” é a morte de um olho para ver com outros olhos, na tentativa de trazer ao campo visual o instante de um apagamento do olhar. 

Compreenda a visão de autor

“Não se trata de criar planos; trata-se de tentar criar a história usando a câmera e a iluminação”, diz Ellen. Muitas técnicas ajudam na expressão visual e para escolher as técnicas que serão usadas é importante ter intimidade com a história, intimidade cultural, saber e compreender os sentimentos que envolvem pessoas e lugares do que vai ser narrado. Por isso o tempo de preparação e de imersão precisa ser o mais longo possível para entender que cada foto tem sua própria história e é parte de uma história maior que dependerá dela para unir o sentido e oferecer a quem vai ver a oportunidade de revivê-la interiormente. 

Não confie apenas em “reaction shots”

Esse tipo de fotografia destaca momentos-chave da história como um ponto de exclamação que dá pistas para que o público descubra rapidamente o pensamento mais íntimo da cena. É preciso estudar toda a situação e sua circunstância. Esse estudo é preenchido com mil perguntas sobre todas os sentidos do que vamos fotografar. “De quem é a história? Qual é o ponto de vista a partir do qual essa história será contada? Estamos por cima dos ombros dos personagens? Estamos na cabeça deles? Estamos observando de longe? É um ponto de vista consciente próximo ou distante?”

Os efeitos na câmera podem ser mais emocionais

“Cada foto que você faz é um círculo, tem começo, meio e fim.” Usar efeitos tangíveis na câmera tem um benefício mais importante que os “erros felizes” que ocorrem no mundo analógico, pois os efeitos pensados incentivam o sentimento, assim como as cores. “Permita-se sentir algo”, disse Kuras. "Permita que seja áspero, e pronto. Permita-se ser emocional quando estiver fotografando.” Você pode fazer fotos bonitas, mas isso não significa necessariamente que seja um trabalho orgânico. Quando grande parte da história se passa em algum lugar entre a memória e a realidade, há espaço - e talvez, até mesmo, uma necessidade - de brincar com os efeitos da câmera.

Você não precisa usar só lentes primárias

Ao contrário do que dizem os amantes das fotografias analógicas, use as lentes com zoom também. “Você deve usar tudo o que sentir. Siga sua intuição. Esse é o seu ponto de vista.”

A solução criativa de problemas deve ser a melhor ferramenta

Se você não sabe de algo, então é muito importante fazer perguntas. Descobrimos que isso pode ser muito mais útil do que ser um obstáculo para solucionar problemas artísticos. O desafio criativo deve se tornar parte dos recursos criativos e não algo que impede de realizar a arte fotográfica. 

Não seja idiota

Por fim, a regra número um da Ellen Kuras para ter sucesso com narrativas visuais: “Não seja idiota”. Se não sabe o que fazer, faça perguntas, mantenha um diálogo franco e interessado.

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